​10 любимых фильмов Мартина Скорсезе

«Земляк» (1946)

Роберто Росселлини

«В "Моем путешествии по Италии", моей документальной ленте об итальянском кино, я начал именно с этого фильма. Для меня это действительно было началом. Впервые я увидел "Земляка" в детстве, по телевизору, и тогда рядом со мной были мои бабушки и дедушки. Они, глядя на этот фильм, бурно реагировали на то, что стало с их родиной, которую они покинули в начале XX века. Эта реакция стала для меня таким же ярким впечатлением, как и те персонажи и кадры, которые я увидел в фильме Росселлини. Наблюдая, как люди реагируют на фильм, что он значит для них, я почувствовал всю силу кинематографа. Хотя "Земляк" был снят далеко от Голливуда, в чрезвычайно сложных условиях, с плохой техникой… Я видел, что кинематограф – это не только сам фильм, но и отношения, связь между фильмом и его аудиторией. Феллини говорил, что, когда Росселлини снимал эпизоды в Паданской долине [низменность на севере Италии, в долине реки По, между Альпами, Апеннинами и Адриатическим морем – прим. Soyuz.Ru], он целиком доверился "кинематографическому инстинкту", свободно "изобретал" фильм… В результате этот эпизод, а также те сцены, которые сняты на Сицилии, в Неаполе и Флоренции того времени – все они буквально поражают: как будто сама реальность разворачивается перед вами на киноэкране».

«Красные башмачки» (1948)

Майкл Пауэлл и Эмерик Прессбургер

«Об этом фильме я много говорил и много писал. Для меня он – одна из величайших когда-либо снятых картин, и каждый год я обязательно пересматриваю ее, неизменно обнаруживаю что-то новое. Каждый год этот фильм открывает мне что-то новое, другую сторону, новый уровень, он идет глубже… Что же такого особенного в "Красных башмачках"? Конечно, это красота – это вообще один из самых красивых фильмов в технике Technicolor, когда-либо созданных. В нем чувствуется совершенно необыкновенное волшебство, необычайной силы. Посмотрите, например, на сцену, где Мойра Ширер поднимается по лестнице на виллу Антона Уолбрука, особенно в отреставрированной версии. Все выглядит так, словно она плывет в потоке сверкающего воздуха и света. Нет другой картины, которая могла бы сильнее "драматизировать" чувства на экране и подстегивать воображение зрителя с помощью картинки, сообщая ему свою страсть к искусству, - конечно, это один из способов, как кинематограф овладевает умами и сердцами людей. Однако это только "любовь с первого взгляда" - с течением времени, когда любовь становится глубже и взгляд зрителя проникает глубже, в каждом кадре хорошего фильма можно увидеть движение и энергию самого кинематографа. Такими картинами, их создателями и зрителями движет глубокая и постоянная любовь к искусству, вера в искусство становится подлинно трансцендентным состоянием».

«Река» (1951)

Жан Ренуар

«Послевоенные годы стали особенными для людей всего мира. Жертвами войны стали миллионы, целые города сровняли с землей, вера человечества в самое себя пошатнулась. Великие режиссеры стали работать над картинами, в которых размышляли о самом существовании, о чуде самой жизни. Причем они не отводили взгляд от жестокости – совсем напротив. Скорее, они обращались к жестокости напрямую, а затем заглядывали за ее пределы, оглядывая ее с разного расстояния – во времени, пространстве, в социальном плане и так далее. Ленты "Франциск, менестрель божий" (1950) и "Европа 51" (1952) Росселлини, великие неореалистические фильмы Де Сики и Висконти, "Сказки туманной луны после дождя" (1953) и "Управляющий Сансё" (1954) Кэндзи Мидзогути, "Жить" (1952) и "Семь самураев" (1954) Акиры Куросавы, "Лучшие годы нашей жизни" (1946) Уильяма Уайлера, "Моя дорогая Клементина" (1946) и "Погонщик фургона" (1950) Джона Форда, и эта замечательная картина Ренуара… "Река" стала первой картиной Жана Ренуара после его американского периода, его первый фильм в цвете. В качестве основы для сценария он использовал автобиографический роман британской писательницы Румер Годден – чтобы создать такой фильм, который был бы, действительно, о жизни, - хотя и лишь отчасти вдохновлен реальной историей, - о ритме существования, о циклах рождения, смерти и возрождения, а также о преходящей красоте мира».

«Сказки туманной луны после дождя»/ «Угетсу» (1953)

Кэндзи Мидзогути

«Мидзогути – один из величайших мастеров, которые когда-либо работали в кино, наряду с Жаном Ренуаром и Фридрихом Мурнау. После войны он создал три фильма: "Жизнь куртизанки Охару" (1952), "Сказки туманной луны после дождя" (1953) и "Управляющий Сансё" (1954), и все они достойны вершин кинематографа XX века. При этом все мастерство Мидзогути концентрируется в необычайной простоте. Сначала вы оказываетесь лицом к лицу с чем-то таинственным, трагически неизбежным, но в конце концов все это мирно разрешается. Мне нравятся эти три ленты Мидзогути, а также многие другие его фильмы – "Ёкихи" (1955), "Повесть о поздней хризантеме" (1939) и "Госпожа Ою" (1951) (называю лишь несколько). Однако лента "Сказки туманной луны после дождя" оказала на меня самое сильное влияние. В этой картине есть моменты, которые я видел много раз, но всегда от них у меня перехватывает дыхание. Лодка медленно выплывает из тумана и движется на зрителя… [...] Просто подумаю об этом – и меня переполняет благоговение и изумление».

«Пепел и алмаз» (1958)

Анджей Вайда

«Впервые я увидел "Пепел и алмаз" в 1961 году. И даже тогда, когда выходило множество поразительных лент, когда шедевры снимались по всему миру – этот фильм потряс меня. Это было связано с характером ленты - она одновременно сиюминутна и в то же время преследует, словно кошмар, который не закончится, пока не захватит тебя. С ума сводят чувства абсурда и помешательства, трагедия политической борьбы в преддверии мира, тяжесть взросления в военное время. Ведущий актер Збигнев Цибульский играет прекрасно. В этом фильме есть что-то от галлюцинации: я могу закрыть глаза, и некоторые кадры будут проноситься в памяти и резонировать с той же силой, как тогда, когда я впервые увидел эту ленту 50 лет назад. Я несколько раз встречался с Анджеем Вайдой за свою жизнь, и каждый раз я был в восторге от его энергии и его непоколебимой концепции кинематографа. [...] Он – образец для всех кинематографистов».

«Приключение» (1960)

Микеланджело Антониони

«Еще один фильм, о котором, казалось бы, столько всего сказано, что кажется, будто и говорить не о чем. Однако, конечно, это не так – никогда не бывает, что о хорошем фильме нечего сказать, его нужно увидеть снова, его нужно увидеть заново. Так, для некоторых, например, одна и та же картина, которую они видели в 1960 году и снова посмотрели в 2014 году – это две разные ленты, это разный опыт. Некоторым людям я бы очень рекомендовал пересмотреть какие-то фильмы, которые им не понравились, потому что они спустя годы покажутся им совершенно другими. Что касается "Приключения", то трудно представить какой-то другой фильм, который ярче бы иллюстрировал тесную связь людей с окружающим миром, с тем, что они видят, слышат, к чему прикасаются, чем дышат и что едят. Я понимаю, что этот фильм Антониони – о персонажах, которые "отчуждены" от того, что их окружает, но это слово – "отчуждение" – так часто используется по отношению к фильмам Антониони, что сложно заглянуть за него, мысль на нем останавливается. По факту, насколько я вижу, этот фильм очень ярко показывает нам людей, чья душа страдает: их духовные связи разорваны, и мир представляется им враждебным и беспощадным. Визуально прекрасно, насыщенно, чувственно, драматично – этот фильм во всех отношениях хорош. Одна из великих лент кинематографа».

«Сальваторе Джулиано» (1961)

Франческо Рози

«Этот фильм, великая историческая и политическая мозаика Франческо Рози, - драматическое исследование обстоятельств убийства знаменитого сицилийского бандита и сепаратиста Сальваторе Джулиано. С одной стороны, это чрезвычайно сложный фильм – в нем нет главного героя (сам Джулиано – не персонаж, а фигура, вокруг которой построено действие) и он в нем перемешаны, запутаны временные рамки и точки зрения на убийство. Однако с другой стороны, эта картина сделана с душой, с глубокой и крепкой любовью к Сицилии, с пониманием ее людей и того вероломства и коррупции, которые им пришлось терпеть. Это тщательное расследование (Рози действительно в процессе съемок этого фильма обнаружил новые факты в деле убийства Джулиано), однако оно не скучное и не "сухое" – у этого фильма кровь буквально течет в жилах, он выполнен в черно-белом цвете, что буквально "электризует" его. К слову, оператором фильма был Джанни Ди Венанцо, который работал над многими великими итальянскими лентами 50-х и 60-х годов, в том числе над "Затмением" (1960) Антониони или "Восемь с половиной" (1963) Федерико Феллини. "Сальваторе Джулиано", среди множества других фильмов, в каком-то смысле является великим гимном Сицилии – стране моей семьи. И уже только по этой причине я лелею эту ленту».

«Восемь с половиной» (1963)

Федерико Феллини

«После того, как Феллини выпустил "Сладкую жизнь" (1959), мы все задавались вопросом: и что же он будет делать дальше? В какую сторону он двинется? Уж не собирается ли он все бросить? Переключит ли он, скажем так, передачу? Однако Феллини сделал то, чего от него никто в то время не ждал. Он перенес на экран свою собственную "художественную" и жизненную ситуацию. Режиссер, у которого к тому времени было снято восемь с половиной фильмов (семь картин за его именем, а также "Огни варьере" (1950), "Любовь в городе" (1953) и "Боккаччо 70" (1962), где он выступал со-режиссером и считал эти три фильма за "полтора"), последняя его лента с шумом и успехом "выстрелила" по обе стороны океана, а когда пришло время работать над новой картиной, он обнаружил, что находится под огромным давлением ожиданий студии, критиков, зрителей, родных, друзей, знакомых – всех. Феллини взял и перенес эту ситуацию на экран. Для меня фильм "Восемь с половиной" во многих отношениях был "пробным камнем": свобода художника, смысл изобретения, лежащие в основе любого произведения искусства строгость и глубокая суть, очарование, буквально физическое притяжение движения камеры и идеально продуманной композиции кадра. Это, к слову, один из тех черно-белых фильмов, снятых камерой Джанни Ди Венанцо – и тут картинка сияет, как драгоценный жемчуг. Картина "Восемь с половиной" предлагает взглянуть на художника в тот момент, когда он пытается отринуть от себя все давление и критику, всю лесть, все просьбы и советы, и найти возможность спокойно услышать себя. На протяжении многих лет фильм "Восемь с половиной" вдохновил множество других лент – "Алекс в стране чудес" (1970) Пола Мазурски, "Звездные воспоминания" (1980) Вуди Аллена, "Весь этот джаз" (1979) Боба Фосса и так далее. Дилемму Гвидо, которого сыграл Марчелло Мастроянни, мы видели неоднократно и в реальности – вспомните хотя бы Боба Дилана и период его жизни, отраженный в фильме "Нет пути назад" (2005). Как и "Красные башмачки", я пересматриваю "Восемь с половиной" каждый год, и каждый раз это становится для меня новым опытом, новым прочтением».

«Презрение» (1963)

Жан-Люк Годар

«Раньше я думал о Годаре и Антониони как о великих визуальных художниках и колористах кинематографа, которые раздвинули рамки возможностей для режиссеров в создании фильмов. Я все еще так думаю, однако тут важна и эмоциональная связь созданных картин. Для меня "Презрение" - одна из самых волнующих лент своей эпохи. В свое время люди много говорили о невероятном сочетании задействованных в создании этого фильма людей: Карло Понти – итальянский продюсер, в основе сценария – роман итальянца Альберто Моравия, в главной роли – француженка Бриджит Бардо и немец Фриц Ланг, при участии также французского актера Мишеля Пикколи. Все это снято французом Жаном-Люком Годаром в Италии, на студии "Чинечитта" и на Капри. Сам фильм немного потерялся в попытке зафиксировать детали своей эпохи. Но тем интереснее, когда обстоятельства, которые кажутся актуальными и интересными на момент премьеры фильма, постепенно раскрываются с годами. Поначалу меня не слишком волновала та "справочная информация" об эпохе, которую я видел на экране – я просто реагировал на то, что видел на экране. Однако с каждым годом "Презрение" открывало мне все больше и больше, и оно становилось все ближе и ближе ко мне. Это потрясающий портрет брака, который разваливается, который изначально был обречен на это, и фильм рассказывает о нем серьезно. Особенно хороша в этом отношении знаменитая сцена с Пикколи и Бардо в квартире. Даже если вы не знаете, что в это же время брак Годара с Анной Кариной так же разваливался на глазах, вы можете почувствовать переживания режиссера в каждом запечатленном на пленке движении, в каждом диалоге, в каждом жесте актеров. Все это на экране тянется так долго, так мучительно, но и в то же время так величественно, словно бы часть некоей трагической симфонии. "Презрение" - своего рода плач. Это столкновение кинематографа с вечностью, в котором как и загубленный брак, так и кино словно растворяются. Это один из самых великих и самых страшных фильмов, когда-либо снятых».

«Леопард» (1963)

Лукино Висконти

«Еще один шедевр о Сицилии, еще одно размышление о вечности и бесконечно богатый исторический гобелен, тщательно выверенный в визуальном плане и снятый на пленку 70 мм. Лукино Висконти взял за основу для сценария посмертно опубликованный роман графа Джузеппе Томази ди Лампездузы о сицилийском князе, который во времена Объединения Италии (Рисорджименто – 1850 - 1870 г.г.) приходит к решению отречься от власти, так как понимает, что жизнь, которую он и его предки вели на протяжении нескольких столетий, подходит к концу, и теперь настало время молодых и амбициозных деятелей. Висконти и его коллеги-сценаристы переработали роман Лампедузы, создав совершенно новую работу огромного масштаба – эпопею, но весьма необычного типа. Время само по себе является главным героем "Леопарда" - князь размышляет в поистине космических масштабах – столетиями и эпохами. Сицилийское время тоже особенное – дни и ночи здесь тянутся до бесконечности. Время аристократов веками двигалось "по накатанной", в нем никогда не случалось никаких неожиданностей и все всегда шло так, как должно было идти. Пейзажи, необычная обстановка, удивительная архитектура, костюмы, обряды и ритуалы – все это нацелено на то, чтобы дать нам почувствовать то время и ощутить тогда же разительные изменения, которые происходят… [...] Поразителен Берт Ланкастер в главной роли. Сам Лукино Висконти изначально хотел пригласить играть князя Лоуренса Оливье и очень придирался к Ланкастеру, который играл в одном кадре с Аленом Делоном и Клаудией Кардинале. Однако Ланкастер сумел убедить его, что эта роль ему по силам. В дальнейшем они стали друзьями на всю оставшуюся жизнь. Я мог бы очень много рассказать о "Леопарде". Это один из тех фильмов, который становится для меня все важнее и важнее с течением времени».